momento dell'inaugurazione
momenti dell'inaugurazione
lunedì 30 maggio 2016
Studio Arte Mosè: COLLETTIVA ESTATE 2016
giovedì 28 aprile 2016
BARATELLA Mosè, Preoccupanti coeve verità
Retrospettiva tematica
sull’opera di Mosè Baratella:
preoccupanti coeve verità
di Mosè
DAL 30/04/2016 AL 19/05/2016
allo Studio arte Mosè, Via Fiume, 18, Rovigo
Sabato 30 aprile 2016 alle ore 18, inaugurazione presso lo Studio Arte
Mose’ di Rovigo.
Vincenzo
Baratella, curatore della retrospettiva, illustra
peculiari tematiche sviluppate dall’Artista rodigino
durante gli anni di piombo in Italia.
Mosè Baratella
(1919-2004) ha dedicato l’intera vita all’Arte e per l’Arte. Alla vigilia della
celebrazione del centenario dalla nascita, la Galleria rodigina, che si è
onorata del nome, ha allestito una mostra su di un particolare settore tematico: la rappresentazione
delle vicende successe in Italia durante gli anni di piombo e la ciclicità vichiana
di attuali tristi eventi.
Le opere con
modernissimo e singolare stile narrativo fanno emergere la profetica straordinaria
anticipazione su preoccupanti coeve verità.
L’allestimento inizia
con l’incipit pittorico nell’autoaffermazione d’Artista: autoritratto ad olio
del 1938 e si conclude con un altro autoritratto eseguito pochi anni prima
della morte; entrambi denotano la tecnica sicura, classica, con pennellate
vigorose.
L’intenzione del
curatore è quella di sottolineare lo stacco di stile dalla forma, legata agli
schemi accademici, e i contenuti che si avvalgono di una pittura immediata, di
getto, adatta al registro linguistico simbolistico e psicologico.
A corredo esplicativo
della mostra il curatore ha presentato il catalogo: preoccupanti coeve verità di Mosè.
Coordinamento
redazionale: Emanuela Prudenziato.
La mostra è gratuita e aperta tutti i giorni feriali dal lunedì al venerdì dalle 16,30 alle 19,30 fino al 19 maggio 2016.
Per info: studioartemose@live.it
“Studio Arte Mosè” è la galleria che Vincenzo Baratella ha voluto
dedicare al padre.
Mosè Baratella (Pontecchio
Polesine 17-11-1919 – Rovigo 23-4-2004) lo conobbi alla fine dei mitici anni
Settanta, quando entrai a far parte del Gruppo Autori Polesani, fondato dal
commediografo Miro Penzo. Il gruppo molto vivace era riuscito a raccogliere
poeti, scrittori, storici e pittori, giovani e meno giovani, molti esclusi dal
gotha della cultura rodigina ma anche accademici dei Concordi e storici della
Minelliana nascente. Succedeva così che i pittori offrissero le proprie tele
per premiare i poeti. A distanza di tempo, sfogliando le pagine del periodico
“Autori Polesani”, affiorano le firme di grandi figure accanto a giovani in
erba scomparsi dalla scena. Mosè Baratella, amico del poeta Alberto Marzolla,
faceva parte di questo movimento, pur tenendosi in disparte. Baratella era un
grande artista, che aveva dedicato tutta la vita alla pittura, alla scultura e
alla grafica, riconosciuto e stimato fuori ma non negli ambienti chiusi e
ristretti della sua città. Il lavoro, la famiglia, la moglie gelosa di tutti
quei ritratti femminili, una Rovigo saccente e indifferente erano una prigione
per i voli della sua arte. Alcuni dei suoi dipinti sono stati attribuiti a
pittori di fama internazionale e Mosè ha fatto in tempo a subire questo
ennesimo affronto. Ne vide uno – a pochi anni dalla morte - nella mostra Il Po in controluce, allestita a Rovigo
al museo dei Grandi Fiumi. Non disse nulla – com’era nel suo stile. Forse
malinconia o forse finalmente grande approvazione. Era consapevole del valore
delle sue opere, ma si sentiva incompreso come Ligabue. Qualche centinaio gli
autoritratti nei quali Baratella si rappresenta, spesso con le sembianze di
Ligabue. Un'ossessione non momentanea ma lunga negli anni, affidata a
cromatismi vivaci e intensi, a deformazioni formali provocanti, a occhi tristi
e stralunati, a bocche spalancate, per esprimere un'inquietudine mai sopita, un
grido di dolore e di rabbia, un'amarezza che lo faceva diventare Ligabue,
Munch, Van Gogh, Napoleone, re, sultano, ciclista, corsaro, gallo, aquila, lepre.
Padrone di mezzi e tecniche, succedeva che amici pittori ricorressero a lui per
dipingere elementi un po’ difficili come le mani o altri particolari. Mosè acconsentiva
e non chiedeva nulla. Assiduo frequentatore delle biennali, ha interpretato le
correnti del Novecento, creando lo stile di Mosè. Uomo del proprio tempo, è
passato dalla pittura en plein air, con angoli cittadini e paesaggi polesani,
alle nature morte, ai ritratti, agli autoritratti, alle rappresentazioni dei
temi sociali del periodo del dissenso, alla serie “le piazze d’Italia” fino
alla “maternità”, un olio del 2003,
a pochi mesi dalla morte. Quadri che avrebbero trovato
degna collocazione solamente nella dimora di Peggy Guggenheim a Venezia. L’opera
di Mosè cerca ora finalmente grandi spazi per essere goduta e apprezzata: un
intero Roncale, un Roverella. Mosè teneva in casa rotoli di tela per tagliare
ogni giorno il pezzo necessario. Regalava, vendeva o svendeva per pagarsi le
sigarette Astor, i colori, le tele, le cornici, senza intaccare il suo modesto
stipendio di impiegato. E dopo il lavoro, sempre per arrotondare, a dipingere madonnine
per i devoti. A vederlo sembrava la persona più tranquilla ma, con il suo
atteggiamento sornione, aveva dato filo da torcere ai gerarchi fascisti. No, il
sabato fascista non era per lui: non voleva né sfilare né cantare Giovinezza. Preferiva il silenzio della
guardina dei carabinieri a Polesella. A sera, era già a casa. Negli ultimi
decenni di vita lo si poteva incontrare in piazza Vittorio Emanuele II, non
alto, elegante, il cappello a larga falda, un Panizza di paglia di riso
d’estate o un Borsalino di feltro d’inverno, la sigaretta in mano, poche
parole, due grandi occhi azzurri e un fascio di tele o di disegni in una
cartellina o arrotolati sotto il braccio per l'approvazione degli amici o di
qualche acquirente. Se lasciava la casa di via Viviani, appena fuori le mura,
lo faceva per raggiungere la quiete della campagna con il poeta Alberto
Marzolla nella vecchia casa lungo il Canal Bianco. E qui fu incantato da due lavandaie,
la Pina e la Renata Filippi
Mosè, Autoritratto, olio su carta, 1938
MOSE’
Nel corso della sua
vita lavorò costantemente per
esprimere le sue idee, lo spirito libero di cui era “prigioniero”. Non
si può parlare di Mosè se non in questi termini perché è l’artista che ricerca
continuamente di rivelare l’idea, l’interpretazione della realtà circostante,
il mondo in cui è vissuto. Ha saputo mappare la società, individuarne gli
aspetti contraddittori, spiacevoli, benevolmente ipocriti, senza acrimonia, ma
in modo razionale e chiaro, come la strategia del mondo quotidiano,
apparentemente senza ombre. E Mosè con i suoi disegni,oli su carta rappresenta
il razionale contorcimento dei pensieri,
dei comportamenti umani. L’astrazione, definizione tecnicamente impropria,
nelle sue opere è la fotografia della
vita. I pezzi sparsi sulla carta, sulla tela sono un puzzle che è
preferibile non ricomporre; troppo duro, doloroso riconoscersi in esso, meglio
immaginare l’impossibile come realtà: “ le mattane” così le chiamava Mosè sono
il suo pensiero più vero e profondo,l’affermazione dell’arte che legge oltre
l’apparenza e recupera sempre l’uomo con
le sue incoerenze e fragilità. ©Emanuela Prudenziato
Mosè, Inquietanti coeve verità ... (Opera in catalogo)
La rassegna è recensita su Facebook Arte Mosè Vincenzo
momento inaugurazione 30.4.16
art. 4.5.2016 su La Voce; sotto testo completo della giornalista Pavani Dott.ssa Maria Chiara:
A dodici anni
dalla scomparsa del pittore rodigino Mosè Baratella (1919-2004) e alla vigilia
della celebrazione del centenario dalla nascita, la galleria Studio Arte Mosè
ha allestito una retrospettiva tematica sull’opera dell’artista: ”Preoccupanti
coeve verità di Mosè”, inaugurata sabato scorso. La mostra riguarda un
particolare settore tematico: la rappresentazione delle vicende accadute in
Italia, durante gli anni di piombo e la ciclicità vichiana di attuali tristi
avvenimenti. Le opere, cioè, con singolare stile narrativo, anticipano
profeticamente coeve verità. “Fino ad oggi-ha detto Vincenzo Baratella-curatore
della rassegna, ho voluto presentare dipinti di mio padre dai quali emergesse
soprattutto la qualità indiscussa della sua tecnica, sicura, classica, con
pennellate vigorose, ora questa retrospettiva esplicita, invece, il suo
pensiero, anche se scomodo: l’arte come messaggio politico-sociale. La mostra,
che si fregia di un catalogo esplicativo sulla vita e l’opera di Mosè
Baratella, propone l’incipit pittorico dell’artista con un autoritratto
giovanile, olio su carta, del 1938, dove l’originale pennellata azzurrina che
investe lo sfondo e poi dipinge il viso e cola sul busto, evidenzia l’acerba
bellezza dei tratti del volto e, nel contempo, l’espressione già sicura
dell’artista. Autore di alcuni autoritratti, la rassegna si conclude con quello
dell’autore anziano e sofferente, di un impressionante realismo, mentre le
altre opere, una ventina, presentano contenuti resi con una pittura immediata,
di getto, che segue un registro linguistico simbolistico e psicologico. Mosè
Baratella, antifascista convinto e spirito libero, negli anni ’70, ha voluto rappresentare tutta la società del momento,
“individuandone gli aspetti contraddittori, spiacevoli, benevolmente ipocriti,
senza acrimonia, ma in modo razionale e chiaro”, come scrive Emanuela
Prudenziato nel catalogo. L’Italia, infatti, in quel periodo subiva le
incongruenze della modernizzazione e dei nuovi orientamenti politici e
culturali che portarono ad una serie di riforme come il divorzio, il diritto di
famiglia, l’abolizione dei manicomi e l’aborto, suscitando reazioni non sempre
positive nella popolazione e che il nostro ha evidenziato nelle sue opere. Ci
riferiamo a “Figli mai nati”, olio su carta, quadro drammatico in cui al centro
una figura femminile si disfa di tanti piccoli feti, attorniata da miriadi di
volti minacciosi che alimentano la sua crisi esistenziale. Anche il dinamismo
delle volute pittoriche e i cromatismi che accostano il rosso sangue al nero e
al grigio contribuiscono al forte impatto emotivo. Alludiamo ancora al
cambiamento dei costumi, come l’emancipazione femminile, evidente nel dipinto
“Soggiogato”, dove la donna, finalmente seduta sul trono, domina l’uomo di cui
tiene la testa, mentre ai suoi piedi, si agitano migliaia di figurette, simbolo
di una società confusa. Insieme alla libertà sessuale, Mosè non esita a denunciare
la licenziosità dei costumi anche in ambito clericale, come “Sacro e profano”,
che presenta un prelato con tanto di mitria, felicemente ritratto tra due belle
fanciulle. Ma l’artista, nel ’79 propone anche il malessere sociale e i temi
forti della stragi di stato, con le violenze faziose tra rossi e neri e lo fa
nella mostra “Piazze d’Italia”, nella galleria “L’incontro” del pittore Mastro
Pietro di Rovigo. Così anche il decennio tra il 1970 e il 1980 è stato fissato
su tela con forza instancabile, per sottolinearne con metafore e simbologie gli
errori, ma sempre salvando l’uomo, perché l’artista attraverso il simbolo, come
sottolinea il critico Baratella, “intende espettorare la ridda della malvagità
con l’intenzione di recuperare il mondo pulito”. La retrospettiva sarà
visitabile fino al 19 maggio, dal lunedì al venerdì, dalle ore 16.30 alle
19.30. ©Maria Chiara Pavani
sabato 26 marzo 2016
GIROLAMO BATTISTA TREGAMBE, La grande opera incisa
MOSTRA IN CONTEMPORANEA CON IL COMUNE DI BOTTICINO MATTINA
PER RICORDARE IL GRANDE ARTISTA TREGAMBE
SALITO AL CIELO NEL GIORNO DI PASQUA DEL 2015
GIROLAMO BATTISTA TREGAMBE
La mostra in sé ha la
prioritaria valenza del ricordo. A un
anno dalla scomparsa, Girolamo si è congedato dal mondo il giorno di Pasqua, la
Sua figura è indelebile nel cuore e le Sue opere rinsaldano i sentimenti.
L’umanità di Girolamo Battista Tregambe è stata grande come tutto il percorso
della Sua vita, disponibile al dialogo e a ricambiare le espressioni d’affetto.
Forgiato il carattere con la riflessiva
saggezza delle genti contadine, nel silenzio dei declivi coronati dalle
imponenti cave di marmo “botticino”, ha conservato l’amore per gli ambienti e
la semplicità del passato. Le rogge, i ruscelli, le chiuse innevate, le
torbiere solcate dagli ultimi raggi del tramonto, gli innumerevoli animali
selvatici sono i soggetti che fanno bene al cuore per riflettere sull’incommensurabile bene della
natura, sui perché dell’esistenza e sulla nostra razionale. Girolamo, vissuto
in quell’Eden, ha saputo ricreare nelle acqueforti il trasporto emotivo di
tanta bellezza. Ha fissato il trascorrere delle stagioni, con fiori e profumi;
ha trasmesso l’indicibile gioia per il candore della coperta di neve sulla
campagna, sui virgulti dei rovi e sui tralci delle vigne … basterebbe un
soffio, il tocco leggero di una mano di bimba, come quella della sorella nel
tentativo curioso d’accarezzare la volpe, per squassare i fiocchi dalla rete di
recinzione. Girolamo ha colto lo spirito della natura, anche quella animata e
l’ha amata… Dall’intrico della vegetazione, dai ceppi di vecchi gelsi, tra le
fratte fanno capolino il tasso, la volpe, l’upupa vigile, il merlo attento, il gatto
nero malandrino. L’acqua si spande lenta tra i sassi, contenuta dalla
vegetazione palustre, sotto le assi consunte di antichi ponti; retaggio questi
della sapiente pazienza arcaica, atti al lento, individuale passaggio, come la
vita. Girolamo cantore della poesia, consegna una testimonianza unica d’amore
attraverso immagini impreziosite da un bulino maestro e da una lirica che
durerà sempre, come la sua figura nei nostri cuori. ©Vincenzo Baratella
l'immagine sopra "Brina" è stata pubblicata per copertina della raccolta "Ritratti" di Emanuela Prudenziato
Lo Studio Arte Mosè ringrazia RAI 3 Bongiorno Regione Veneto delle ore 7,30 dell'11 aprile 2016.
venerdì 12 febbraio 2016
RIGONI Paolo
Paolo
Rigoni: il recupero della poetica artistica.
Fare dell’arte è un distinguo non da
poco rispetto alla molteplice schiera delle espressioni che si prestano, a
torto o a ragione, nell’attuale società. Benjamin sostenne che la nostra è
l’epoca della riproducibilità. Sotto alcuni aspetti è innegabile l’ausilio
delle tecnologie più avanzate al servizio delle immagini riprodotte. I più
sostengono: “è stato fatto tutto”.
Allora qual è il senso dell’esistenza,
delle emozioni, del vivere dell’anima? Paolo Rigoni dà la risposta. Palesa il
desiderio del recupero della poetica artistica.
L’odierna esplicita richiesta del bene
di facile consumo ha reso desueta la peculiare funzione formativa delle arti e
l’artista prova un nostalgico rammarico, perché sente la dilagante privazione
della fruizione del bello, della meditazione e pensiero sensibile.
La popular art, nelle divergenti
espressioni, per sua natura, s’adatta alle mode, ai desideri, mancando
dell’introspettiva indagine per quella che genericamente è definibile come
produzione da tramandare.
Paolo ha intrinsecamente rimpianto per il compito educativo delle
arti, soprattutto per quelle intellegibili del passato. Mostra il metodico procedere
attraverso le opere: rabbia per il fallito rinascimento della cultura e
dolcezza nel soddisfare l’esigenza intima.
Quando si dedica alle sue creazioni,
siano esse dipinti o sculture, volontariamente si estrania dall’interscambio
sociale; appagato da un intrinseco bisogno di solitudine meditativa e pare che il momento creativo avvenga con una certa
facilità e il tempo fluisca senza essere percepito, il tutto in una dimensione atemporale,
astratta.
Per l’Artista è indicibile
lo stato di benessere interiore nell’abbandono in se stesso; è soddisfatto nell’azione
con cui manipola gli strumenti, la materia, i colori per dar vita a continue
evolutive emozioni. E’ avvezzo all’osservazione ponderata della natura, morta e viva, cercando di
filtrare l’esteriorità con l’occhio dell’interiorità.
Ha maturato una sensibilità personale
verso l’oggetto e un approccio al colore esclusivo, tradizionale e innovativo.
Nell’ossimoro è da rilevare l’attenzione al soggetto da rappresentare, leggibile
e sostanzialmente tangibile, con interveti formali unici e personali.
Rigoni, così confessò in alcune
occasioni, è sempre stato attratto dai grandi maestri; indiscutibilmente si
vede dall’immediata sicurezza della pennellata. Un tocco forte come sono i
pigmenti di colore usati, esaltati dalla brillantezza della vernice fissante
finale che l’Artista sa stendere sull’opera finita allo scopo di evidenziare
l’esplosione del cromatismo.
Tecnica singolare, unica, quella di
Paolo Rigoni: il fondo è dato dal collage sulla tela o sulla tavola di carte, pezzi di scatole, frammenti d’imballaggio, fogli stampati
e pagine di quotidiani… elementi significativi quest’ultimi sia sotto il
profilo meramente esecutivo, sia razionale, sia tematico. Paolo carteggia la
pasta di carta indurita facendo emergere da subito il contrasto chiaroscurale
dello sfondo. E’ il primo momento creativo dell’artista; segue l’intervento con
gli smalti, le tempere e in questo procedere, dà corpo ai soggetti. Lo
sfondo rimane, il testo scritto trapela tra i colori in modo criptato.
L’apparato scenico comunicativo
s’intravvede sotto l’immagine illustrata. E’ la cronaca assillante oltre il
bello. Il sostrato è inquietante, pressante. Sopra le carte incollate, dal fondo emergono le creature sensibili. Ad
uno ad uno appaiono i volti, gli oggetti, il paesaggio.
La pagina di quotidiano spunta a tratti
sulle opere allo scopo di dare dignità sensibile al soggetto trattato in
contrapposizione alla tempesta dei media. L’universalità senza età del
sentimento contro l’imbarazzate bombardamento mediatico.
Ho in mente una significativa opera
nella quale l’individuo stressato dal cumulo di notizie urla. Nell’opera di
Munch la paura è per l’insidia imminente, per Paolo l’urlo è un atto catartico.
L’individuo schiavo delle vicende, esagerate dai mezzi di comunicazione, si
lascia andare nel solipsistico grido liberatorio “basta”.
Il giornale, sul quale si stampano le
notizie, è il mezzo impositivo, controllore di una società oramai avvezza ai
piloti celati, ai grandi fratelli di orwelliana memoria; contro questo
strumento di tortura assidua Rigoni esprime tutto il diniego e nel contempo si
apparta in una natura ristoratrice. L’arte, afferma, diventa “membrana osmotica
che filtra e decanta le tossine prodotte dal mondo moderno”.
Allo sfondo della pagina scritta, il
quotidiano appunto, attribuisce indirettamente con latente superstizione un
potere di protezione con il fine di scongiurare il male, dopo la denuncia. Il
veicolo che può dare ristoro immediato è la natura. Scrupoloso osservatore
s’immerge nell’ambiente per un respiro di poesia rigeneratrice.
Paolo Rigoni ha la possibilità di vivere
nel paradiso dell’ambiente umbro. I declivi aprichi durante la stagione estiva,
le colline smeraldine nei verdi a primavera e i toni forti della vegetazione
nei contrasti di luce al tramonto, rossi in certi giorni e plumbei in altri. Lo
stato d’animo è palese; si respira il conforto sereno dato dall’ambiente.
L’attenzione per le velate sfumature diviene chiave di lettura per rappresentare
il paesaggio; nell’amore per la natura madre consolatrice, schiude le porte
alla decodifica del messaggio poetico e legittima la condivisione emozionale.
Colline soleggiate nelle belle giornate,
gonfie d’umidore e di nebbie sospese nelle stagioni intermedie; ovattati nel clima gotico delle sensazioni sono i
pianori umbri riprodotti con il tocco di un maestro nelle tonalità e nelle
pennellate di getto, immediate, degne della tradizione post-impressionista. C’è
nell’esecuzione di Rigoni il voluto intento del finito e non-. Alcune porzioni,
quelle centrali del dipinto, esaltano la minuziosa abilità; verso i bordi
sfugge alla cura dei particolari per riprendere il leitmotiv contemporaneo,
attraverso la notizia.
Con il piacere nel descrivere, con le
cromie calde, forti, le solide buone cose del passato, pur senza alienare
l’elemento primo dell’ispirazione, Paolo ricolloca gli oggetti. Il vecchio
comò, dipinto in un’insolita prospettiva dall’alto, forte degli anni e
ricco di ricordi come i cassetti che
esibisce, è il punto d’appoggio per le sensazioni che danno vigore al cuore. La
frutta, composta in un revival caravaggesco, in primo piano sul cassettone associata
alla foto-ritratto del lare domestico puntata alla parete, riporta il clima
sereno crepuscolare. Sono i cardini sui quali poggiano le vive e intime gioie
senza tempo, oltre la ridda delle informazioni che si perpetuano sullo sfondo.
Come in un viaggio senza perdere le
radici forti, ecco, dai giochi di luce ed ombra, l’Artista dà espressione ai
volti. Non importa chi sono, né da dove vengono; senza precisa identità sono
comunque effigi dell’intera umanità violata; massimamente in bianco e nero, com’è
l’esistenza grigia degli homeless. I disgraziati del quinto stato, senza
dimora, mostrano rughe di sudicia sofferenza; tuttavia hanno occhi grandi,
maliziosi, atti a carpire ogni espediente. I ritratti hanno grandi dimensioni, proporzionali
alla querela del malessere esistenziale.
Nella raffigurazione umana manca
volutamente la tonalità dell’incarnato ed è difficile cogliere il sorriso; c’è
acuta serenità e fierezza di sguardo al fine di ostentare l’essenza dell’anima
che Paolo ha saputo cogliere. Sotto questo profilo l’arte di Rigoni è
didatticamente colta. Infatti una corposa produzione è stata dedicata “Al
giardino del sapere II”. Il titolo è dato a dipinti nei quali emergono pile di
libri: cataste di volumi, chiusi, aperti, sgualciti. Paolo sa bene che l’unico
mezzo per il riscatto sociale è il sapere veicolato attraverso il libro.
L’umanità bruta è segnata dall’ignoranza
così come la nostra è segnata dal consumismo sminuendo il substrato
intellettuale. Le società, in assenza di erudizione, smarriscono i valori
fondanti, s’accaparrano dei beni futili e voluttuari, perdono l’uso dei sensi e
della ragione, disconoscendo la bellezza interiore. L’artista, con la serie
citata, aspira ad una rinnovata humanitas litterae, con ancora l’Uomo al centro
del mondo. Sente il dovere profetico del vate nel dare e avere cultura; solo in
questo modo l’individuo del terzo
millennio potrà rigettare la futilità dell’ovvio elargita dai persuasori
occulti. Vincenzo Baratella
Paolo Rigoni è riflessivo, meticoloso nel
processo creativo artistico; i silenzi e le analisi introspettive sono punti
cardine di un operare unico nel suo genere; da una parte legato a momenti
induttivi di alta poetica, dall’altra in tensione verso una costante ricerca
formale, che non abbandona comunque l’esegesi dei grandi. Il
fondo è dato dal collage sulla tela o sulla tavola di carte, pezzi di scatole, frammenti d’imballaggio, fogli stampati
e pagine di quotidiani… elementi significativi quest’ultimi sia sotto il profilo
meramente esecutivo, sia razionale, sia tematico. Paolo carteggia la pasta di
carta indurita facendo emergere da subito il contrasto chiaroscurale dello
sfondo. E’ il primo momento dell’ispirazione dell’artista; segue l’intervento
con gli smalti, le tempere e in questo procedere, dà corpo ai soggetti. Il
testo scritto trapela dai colori in modo criptato. Ad uno ad uno appaiono gli
oggetti, il paesaggio, i volti definiti con pennellate vigorose, degne della
migliore tradizione figurativa del ‘900. Le tematiche spaziano dallo scenario
del paesaggio umbro, diverso nelle stagioni e quindi nelle tonalità, alle
nature morte colte nel lirismo crepuscolare. A seguire i contenuti forti:
giardini del sapere, ovvero i libri per la trasmissione della conoscenza, e i
volti degli homeless: una indiretta denuncia delle diseguaglianze sociali.
Un’arte impegnata quella di Paolo Rigoni. [V.B.]
L’Artista ha
le origini nel ceppo dei Rigoni dell’Altopiano; ha completato gli studi
ad Asiago. Dopo il diploma scopre che la vera vocazione è il golf;
indubbiamente gli aprichi verdi pianori estivi della terra natale lo
entusiasmavano in quella che riteneva una passione, più che uno sport. Tuttavia
le nevi abbondanti e l’impossibilità di coltivare per tutto l’anno attività, lo
costringono ad emigrare in Spagna. Per otto anni si dedica all’insegnamento del
golf; nel contempo la terra d’Andalusia, ricca di stimolo e di cromosomi
artistici pilotano Paolo ad esibire la vera vocazione: l’arte figurativa. Con
tenacia sperimenta molteplici tecniche. La risultante è una pittura,
superbamente superiore alla scultura, piena di luce e ricca di materia.
Singolare la tecnica plurimaterica: alla tela incolla carte sulle quali, una
volta levigate e stese quasi a fondo d’intonaco, dipinge. I soggetti spaziano
dalla natura morta, colta in un realismo di volumi e sensazioni cromatiche
uniche, ai ritratti inquietanti nella esibizione della personalità individuale,
ai paesaggi della terra umbra, attuale approdo dell’Artista.
Sabato 5
marzo alle ore 18,00 lo Studio Arte Mosè di Rovigo presenta la personale di
Paolo Rigoni.
La mostra
sarà visitabile dal 5 marzo al 24 marzo tutti i giorni feriali dal lunedì al
venerdì dalle 16,30 alle 19,30 con ingresso libero.
domenica 31 gennaio 2016
ANGELO PRUDENZIATO
ANGELO PRUDENZIATO
Dovere del ricordo
Ebbi modo di conoscere
Angelo, artista e parente, da bimba quando fu ospite nella mia casa; in
quell’occasione rimasi stupita dalla
figura estroversa nei modi, spontanea e
diretta nel dialogo e così personale nella
sua visione artistica. Nel dopo cena
conversando in giardino, controllavo il suo modo di osservare il colore
dei fiori e la distribuzione delle piante che lasciavano leggergli un
linguaggio così astruso e personale, di difficile decodifica, che trovai negli anni avanti
nelle sue cortecce stampate. Si soffermò
a guardare una pianta particolarmente rigogliosa
di geranio rosa, orgoglio di mia madre, e decise di approntare uno schizzo per realizzare
successivamente al cavalletto un’opera pittorica. Adolescente lo ritrovai insegnante
di educazione artistica alla
scuola media. Non mancava di apprezzare
i miei disegni, senza risparmiarmi
critiche costruttive. E’ stato un
anno prezioso perché è riuscito a comunicare
la sua passione per l’arte, la creatività, il pensiero originale, la poetica dell’ arte. Ho avuto l’opportunità di vedere una delle
opere più famose appesa nella sua casa in Via Carducci: un’acquaforte a più
colori rappresentante un tramonto nel quale campeggia una ringhiera
in controluce ad un immenso sole rosso, che mi evoca una delle grandi opere di
Saetti. Una copia è attualmente esposta
al MOMA di NEW YORK. In famiglia, quando
il discorso, a volte, trattava la pittura veniva spontaneo ricordare le tante premiazioni: ad Amsterdam, a Londra, a Roma e
alla Biennale di Venezia. L’opera, che raffigura il bacino lagunare, per quella
rassegna, fu realizzata quando
Angelo insegnava in Sicilia.
Riportava tale aneddoto con incontenibile gioia fanciullesca per
sottolineare come una terra calda ed arida avesse proiettato sensazioni di
malinconico umidore tipico veneziano. I miei ricordi, ora che ho l’opportunità di presentare
l’opera, vanno all’incisione raffigurante un’anitra; Prudenziato è riuscito a
dare l’idea dell’incedere solenne “dell’anatra badessa” come recita la
filastrocca. Ho mantenuto il reverenziale rapporto con il secondo cugino per
sempre, considerandolo mito e figura dal
carisma artistico irraggiungibile. Ho il privilegio di curare la retrospettiva
alla quale ho dato il nome “Dovere del ricordo”. In effetti, anche
con intento provocatorio voglio ricordare un grande della nostra città entrato
nel casellario della dimenticanza piuttosto che
tra i protagonisti culturali; purtroppo per Angelo a distanza di oltre
un secolo dalla nascita con dispiacere si evince la veridicità del nemo profeta in patria. Eppure pagine di
cultura si potrebbero estrapolare dalla
sue frequentazioni con i grandi artisti
del Novecento. A tal proposito è
doveroso ricordare la sua amicizia con il maestro Virgilio Guidi. Durante
l’esperienza di Angelo gallerista, la città di Rovigo poté gustare una
personale di Guidi presso l’Eridania
galleria, sul Corso del Popolo, negli anni Settanta. Significativa l’amicizia con il
maestro Giorgio Morandi. Nelle
stampe incise, le nature morte fanno
emergere l’influenza tecnica dell’amico
Morandi, stimato da Angelo per la sua originalità e consapevolezza di essere unico (l’artista
bolognese si vantava infatti, come confidò il Nostro, di non aver mai
frequentato atelier parigini).
Ricordando il contesto storico della sua formazione e produzione artistica emerge la predilezione per il Futurismo che
favorì una variegata e numerosa
produzione; personale creatività si
riscontra nelle sculture, nelle cortecce
e nelle realizzazioni plurimateriche. Angelo fu sempre
aperto al cambiamento, alla ricerca
di espressioni artistiche
originali e stimolanti. Tutto ciò in sintonia con la sua
filosofia della vita e dell’arte. ©Emanuela Prudenziato
Angelo Prudenziato
La Dott.ssa Emanuela Prudenziato, curatrice della retrospettiva
La Dott.ssa Emanuela Prudenziato, curatrice della retrospettiva
Momento dell'inaugurazione; sabato 6 febbraio 2016.
L'artista Angelo Prudenziato
articolo della giornalista dott.ssa Maria Chiara Pavani
Notevole
afflusso di pubblico, sabato scorso, alla galleria, Studio Arte Mosè di Rovigo,
per il vernissage della retrospettiva dedicata ad un grande artista della
nostra città, Angelo Prudenziato, pittore ed incisore insigne.
L’evento
è stato fortemente voluto da Emanuela Prudenziato, titolare dello spazio
espositivo e cugina di Angelo, per rendere giustizia ad un emblematico
esponente dell’arte del Novecento, indebitamente caduto nel dimenticatoio, dopo
l’omaggio tributatogli, nel 1981, dal Comune rodigino, a Palazzo Roncale, con
la retrospettiva nota per il “manifesto della bicicletta”, un’incisione a
colori, dove Prudenziato era arrivato ad usare il plexiglas per curare l’effetto della curvatura della ruota.
E, dopo la personale di oli e incisioni, nello stesso Studio Arte Mosè, nel 2006, rappresentativa della
complessa sperimentazione, nella prima metà del ‘900, il vuoto. “L’ho
conosciuto da bambina- ha esordito Emanuela Prudenziato, curatrice della
mostra- perché frequentava la mia casa e mi aveva colpito la sua figura così
spontanea e diretta nel dialogo, come personale nella sua visione artistica.
Sincero e, mai di parte, guardava i miei primi disegni e non mi risparmiava
critiche costruttive. In seguito, è stato mio insegnante nelle scuole medie- ha
concluso la relatrice- comunicandomi la sua passione, la creatività, il
pensiero originale e la poetica dell’arte”. Commovente il ricordo dell’artista
da parte del pittore Osvaldo Forno, che lo conobbe negli anni ’60, e con lui
ebbe sempre un rapporto di sincera amicizia. “Angelo-ha confidato Forno-mi ha
aiutato ad inserirmi nel mondo dell’arte, spingendomi a vincere la mia
timidezza e conoscere, a Venezia, il critico Giuseppe Marchiori, uno dei membri
della Biennale e quell’incontro fu per me molto
importante. Era amico dei giovani artisti, nell’arte era un altruista,
conosceva il valore delle persone, mi segnalava i bandi di concorso in Italia,
a cui partecipavo insieme a lui e al grande Gabbris Ferrari. Non si è mai posto
come maestro, ma come fratello maggiore”.
Angelo
Prudenziato (1907-1980), diplomato all’Accademia delle Belle Arti di Bologna,
uomo dai lineamenti marcati e dalla forte personalità, amava in sommo grado
l’arte che, per lui, era una ragione di vita ed un mezzo sublime per esprimere
ciò che provava. Grande osservatore, operava “en plain air” e nella quotidianità
e, prima di dipingere, osservava per ore i cambiamenti naturali della luce o
ancora, di sera, gli effetti dell’intenso sfavillio delle luci sulla città.
Indefesso sperimentatore, ha attraversato tutti i movimenti artistici del ‘900,
aderendo al Futurismo e alla sua connotazione di dinamismo e modernità.
Pluripremiato ad Amsterdam, Londra, Roma e alla Biennale di Venezia, nel 1940,
con l’olio “Mattinata uggiosa a Venezia”, in cui ha proiettato liriche
sensazioni di malinconico “umidore” veneziano, è presente anche al museo d’arte
contemporanea “Moma” di New York con “Luci sul mare”, acquaforte a più colori,
“in cui campeggia-scrive la Prudenziato- una ringhiera in controluce ad un
immenso sole rosso, che evoca una grande opera di Bruno Saetti”. Fu amico, di
Virgilio Guidi, che, negli anni ’70, espose a Rovigo, nella galleria Eridania,
sul Corso del Popolo, di Gastone Breddo e Giorgio Morandi, che influenzò il
nostro nelle tecniche grafiche, specie nei reticoli delle nature morte.
Variegata e numerosa la produzione di oli e acqueforti, legata al Futurismo, a
cui aveva aderito in sintonia con la sua filosofia di vita e dell’arte. Assai
originale era poi il suo astrattismo, relativo
alle famose “cortecce stampate”, come un forte slancio creativo si evidenzia nelle
sculture e nelle opere polimateriche. La presente rassegna, che abbraccia un
arco di tempo, dagli anni ’40 agli anni ’70, è costituita da una ventina di
opere, acqueforti e disegni, gentilmente prestati da collezionisti e gallerie.
Tra le incisioni, segnaliamo “L’anatra badessa”, che bene rende il movimento
solenne del palmipede, come recita la filastrocca. Interessanti sono ancora due
marine, “Venezia e il Canal Grande” e “Veduta di Marghera”, con le sinistre
ciminiere fumanti sullo sfondo. Non potevano mancare, inoltre, un aspetto
urbanistico rilevante di Rovigo, “il Corso del Popolo”, dominato dall’antica
torre Donà, le originali “Cortecce stampate”, ricercate alacremente e
scartocciate dai platani, per poi essere incise con il vecchio torchio a Stella
e il ritratto, a retinatura, del maestro, Virgilio Guidi. Tra i disegni ,
rilevante è quello della madre, Pulcheria, eseguito a carboncino acquerellato,
e la caricatura del volto dello stesso autore, opera, a carboncino, del pittore
Ermes Simili. L’esposizione, sarà visitabile fino a giovedì 25 febbraio, dal
lunedì al venerdì, dalle 16.30 alle 19.30.
©Maria
Chiara Pavani
A. Prudenziato, Spiaggia di Sottomarina, olio, 1960. In primo piano volle raffigurare la figlia Chiara.
A. Prudenziato, Nudo, acquaforte, 1940
A. Prudenziato, I pagliacci, acquaforte, 1940
Autoritratto come Van Gogh
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